Catherine Kirchhoff will be pleased to respond to your request.

FORMATION



1995 : Diplôme de l’Ecole Supérieure d’Art Visuel, Genève

1991 : Parson School of New York, USA

1987-88 : University of California, Los Angeles, USA

1985 : Diplôme de l’EEPS, Université de Genève

1981 : Maturité artistique, Collège Claparède, Genève

1980 : Diplôme d’études secondaires supérieures, Toronto, Canada

Artistic approach

From victuals to visuals

by Diane Daval Béran


peinture de bananes Catherine Kirchhoff

This is appetizing painting, full of richly coloured flavours. Whichever way you turn, shapes cascade around the canvas, diagonally, spilling over its edge to come yet closer to us, grabbing our eyes’ attention. Sometimes the animation quietens down – a freeze frame reveals itself as a close-up.The lull is suddenly illuminated by a flash of recognition.We had been led astray at first by the strength of the colours, but we can now perceive familiar images. For the object of the painting only yields up its secrets slowly, and even then will never impose itself on us.

peinture de bretzels Catherine Kirchhoff

Yes, those are bananas – yes, that’s an orange. And over there, within the close-knit strokes, we can unravel sweets or appetizers – with greater or lesser ease. All of this can be eaten, yet it is not physical hunger which is awakened. Greediness is of a different order here. But as subjects linked to food are a part of everyone’s day-to-day life, the effect of the painting is here made even more manifest. It would in fact be more correct to speak of patterns, of “motifs” rather than of subjects, for right from her first life modelling work, it was not objects themselves, with their whole chain of iconographical meanings, which caught Catherine Kirchhoff’s interest, but rather the shapes which compose them. She plays with the plastics of objects, making them lose all obviousness. Only the physical characteristics of the painting, the bold colours and the sharp forms, are willingly, clearly defined. For the rest, suggestion takes over certitude. Let the spectator make of it what he or she wills.

peinture de hotdog Catherine Kirchhoff

After drawing nudes, objects, then arrangements of objects, Catherine Kirchhoff naturally turned to advertising, a world which has always fascinated her in all its aspects. Packaging and advertising graphics now form the structure of her painting, emphasizing the effect of the distance taken towards the final subject. The titles of her painting appear as anodine as the images which underly it, simply incorporating a reminder of the visual ingredient, adding a touch of humour and a toothsome bite.

Her choices are made on impulse : once a reproduction inspires her, she sticks closely to its two- dimensional forms, which must be supple, varied and irregular, carefully following the outlines of the model in her drawing. But once colour is applied, her freedom runs riot.There are no rules here, and in particular no descriptive function.The sharp, contrasted chromatics of her painting, defined subjectively, depend only on the relationships between the tones, according to the surfaces which they animate.

The act of painting itself, the physical contact with the canvas, pleases her enormously, and she consciously retains the liberty to modify certain forms or colours during the progress of the work. As she is satisfied only when the colours she has chosen are completely saturated, several layers need to be applied.After briefly working in charcoal, she has come to adopt acrylic, a medium which offers her the smooth and opaque colours which she seeks and the possibility of sharply defined limits between surfaces.

This technique is also particularly well suited to the large formats for which Catherine Kirchhoff shows a preference. By opting for outsize canvases, the artist completely immerges the viewer in the picture, implicating him or her in the partisanship of her viewpoints. From the very outset, she has isolated details of bodies or of objects, blowing them up to the extent that they become identifiable only with difficulty. From fragmentary elements centred on the canvas, she has now evolved towards the fragmentation of the pictural surface by the proliferation of a design repeated on the entire canvas and yet further Further, for as the centre bursts out, the limits of the canvas can no longer contain the plastic events, which swarm and spill over. It is “all over”, a space opening up onto the exterior, a consequence of the intense interior animation.

Off centre and beyond frame, the painting abandons all the ingredients of figurative representation : no chiaroscuro, no perspective. Shadows exist only as a pretext for colour and perspective is no longer even a memory. Surfaces are flat, space is planar. Breadth replaces depth. Figures become background, as background takes on its own body.

Of the reality of the subjects, only the logic of their formal organisation is left.The aim is not to copy, but to understand shapes. Moreover, the changes in scale and the total independence of colour bring the work yet further from a reality which already is no more, since the object which serves as a stamp does not come directly from reality but from advertising, whose reason for being is not to bear witness or to contemplate, but to be efficient. Image of an image which is already itself reflected, an image squared in fact, this painting plays with shapes and colours by peeling off their varnish of familiarity and transforming them into an interrogative presence, by the shift between that which is habitual and that which is unaccustomed.

To unleash vision and rediscover once more what it relishes, and to devour with gusto, yet with our eyes only…

Des pro-visions à la vision

par Diane Daval Béran


Voici une peinture alléchante, riche en saveurs colorées. Où que l’on se tourne, des formes se bousculent, en cascades, en diagonales, pour passer outre le bord des toiles et venir plus près de nous encore accaparer nos yeux. Parfois, l’animation se calme : ces arrêts sur image s’offrent alors comme de gros plans. Dans ces répits laissés au regard, soudain un éclair de conscience nous éblouit. Tout d’abord déroutés par la force des couleurs, nous reconnaissons maintenant des images familières. Car l’objet de la peinture ne se livre que dans un deuxième temps, et encore sans jamais s’imposer.

Mais oui, ce sont bien là des bananes ou une orange. Et là-bas, où le dessin se noue en mailles serrées, nous démêlons avec plus ou moins d’aisance des bonbons ou des amuse-gueule. Tout se mange, et pourtant rien n’ouvre l’appétit du ventre. La gourmandise ici est d’un autre ordre. Mais parce que les sujets alimentaires appartiennent au quotidien de tout un chacun, le travail de la peinture est d’autant plus manifeste. Du reste, plutôt que de sujet, il serait plus juste de parler de motifs. Car dès ses premières études d’après modèles, ce sont les formes qui les composent et non les objets en soi, avec leur chapelet de significations iconographiques, qui ont retenu l’intérêt de Catherine Kirchhoff. Elle se plait à jouer avec la plastique des objets, pour leur faire perdre tout caractère d’évidence. Seules les caractéristiques picturales s’offrent comme clairement définies (formes précises et couleurs franches). Pour le reste, la suggestion l’emporte sur la certitude. Au spectateur de s’y retrouver.

Après avoir dessiné des nus, des objets, puis des agencements d’objets, Catherine Kirchhoff en est tout naturellement venue à la publicité, monde qui l’a toujours fascinée sous toutes ses formes. Aujourd’hui, emballages et images publicitaires constituent l’armature de ses tableaux, accentuant l’effet de distanciation par rapport à l’objet. Les titres des tableaux s’offrent comme aussi anodins que les images qui leur servent de support, rappelant l’ingrédient visuel et ajoutant au goût de revenez-y un soupçon d’humour.

Ses choix se font par impulsions : dès lors qu’une reproduction lui plait assez pour l’inspirer, elle reste au plus près de ses formes, qu’elle veut souples, variées et irrégulières, plaquant son dessin sur les contours de son modèle. Mais quand viennent les couleurs, sa liberté se débride. Ici, aucune règle et surtout pas de fonction descriptive. Le chromatisme vif et contrasté de ses peintures ne dépend que des rapports des tons entre eux, selon les surfaces qu’ils animent, de manière totalement subjective.

L’acte de peindre, le contact physique avec la toile lui plait intensément, et elle se garde aussi la liberté de modifier certaines formes ou couleurs au cours de la réalisation. Comme ce n’est que lorsqu’elles sont parfaitement saturées qu’elle est satisfaite, elle les pose en plusieurs couches.

Après avoir travaillé brièvement au fusain, elle a adopté l’acrylique: elle lui offre les teintes lisses et couvrantes qu’elle recherche et la possibilité d’obtenir des limites parfaitement nettes entre les surfaces.

Cette technique est également particulièrement adaptée aux grands formats que Catherine Kirchhoff affectionne. En optant pour de grandes toiles, l’artiste immerge complètement le spectateur dans l’image, corroborant ainsi le parti pris de ses points de vue. Dès ses débuts, elle s’est plu à isoler des détails de corps ou d’objets et à les agrandir jusqu’à les rendre difficilement identifiables. Du fragmentaire, centré sur la toile, qu’elle pratique encore aujourd’hui, elle est passée à la fragmentation de la surface picturale, par la prolifération d’un motif répété sur tout le support et même au-delà. Au-delà, parce qu’avec l’éclatement du centre, les limites du tableau ne parviennent plus à contenir les événements plastiques, qui fourmillent et débordent. C’est le “all over”, cet espace ouvert sur l’en dehors, conséquence de l’intense animation intérieure.

Décadrés ou hors cadres, ces tableaux abandonnent tous les ingrédients de la peinture représentative: ni clair-obscur, ni perspective. Les ombres n’existent plus que comme prétextes aux couleurs et la perspective n’est même plus un souvenir. Plates sont les surfaces, plan est l’espace. L’étendue remplace la profondeur. Les figures deviennent fond, le fond prend corps.

De la réalité des sujets ne demeure que la logique de leur organisation formelle. Il ne s’agit pas de copier, mais de comprendre les formes. Qui plus est, les changements d’échelle et la totale indépendance des couleurs font décoller l’oeuvre d’un réel qui ne l’est déjà plus, puisque l’objet qui sert de motif ne provient pas directement de la réalité, mais de la publicité, dont la raison d’être n’est pas de l’ordre du témoignage ni de la contemplation, mais de l’efficacité. Image d’une image déjà réfléchie, image au carré pourrait-on dire alors de cette peinture qui aime à se jouer des formes et des couleurs pour enlever aux provisions de bouche leur pellicule de familiarité et les transformer en présence interrogative, par le décalage qui s’instaure entre l’habituel et l’inaccoutumé.

Débanaliser la vision pour retrouver le goût des yeux et dévorer sans retenue, mais du regard…